[2010] A l'affiche ou bientôt sur les écrans (vu ou à voir)

-When you're strange-




Je suis allée le voir hier, et je n'ai pas été déçue. Même si on connait beaucoup de choses sur l'histoire de ce groupe mythique, Tom Di Cillo a bien senti le sujet et a évité le docu trop linéaire en le plaçant efficacement dans le contexte de l'époque. On y voit les espérances de toute une jeunesse au sortir des années peace and love tomber en même temps que leurs héros Kennedy Janis Joplin ou Hendrix.

Jim Morrison incarnait cet idéal et l'idée de débuter le film par cette séquence (inédite je crois?) où on le voit braver sa propre mort au volant d'une voiture de sport après l'annonce de son décés est vraiment bien trouvée! La suite raconte leur parcours par la voix off de Johnny Depp mais on reste un peu sur cette image de Morrison nous menant aux portes de la perception et l'effet est carrément bluffant.

Un très bon moment pour moi donc, avec la résurgence de ces années d'anthologie où le rock était symbolisé par des figures mi ange mi démon telles que Morrison, et la BO bien sûr, inclassable mais qu'on ne peut oublier. Que du bonheur en bref

Marga de Ludi Boeken

Au début de l’année 1943, Menne Spiegel, un marchand de chevaux vétéran de la Première Guerre mondiale, cherche désespérément un endroit pour cacher sa femme Marga et sa fille Karin. Heinrich Aschoff, patriote allemand, membre du Parti Nazi et père d'un soldat de la Wehrmacht n’hésite pas un instant à cacher Menne et sa famille, au péril de sa vie.

Ce sont des images de tournage : une vieille femme, encore alerte, tient la main d'une amie et commente la scène qui vient d'être mise en boîte. Elle, c'est Marga Spiegel, 88 ans le 21 juin prochain, et l'amie, la fille des paysans qui l'ont cachée et lui ont sauvé la vie à la fin de la deuxième guerre mondiale. Le film, qui s'achève ainsi, s'appelle simplement Marga et raconte son histoire, d'après le livre qu'elle a écrit en 1965. C'est la plus belle scène du film, la plus émouvante parce que la plus réelle. L'heure 40 qui précède est du cinéma, une reconstitution volontairement modeste qui ne parvient que trop peu souvent à saisir l'essentiel : la peur de Marga et des siens, dans cette ferme de Westphalie, l'héroïsme au quotidien de ces paysans qui risquent la mort. Pas ou peu d'intensité dans ce film sobre et linéaire qui, par peur du pathos, ne s'attarde jamais et enchaîne les saisons jusqu'à la délivrance. C'est ainsi que cela s'est passé, sans nul doute, mais le film, faute d'audace et de qualités artistiques, ne rend pas à Marga Spiegel et à ses sauveurs l'hommage qu'ils méritaient. Sur le thème de la résistance allemande intérieure à l'hydre nazie, Sophie Scholl était une oeuvre autrement plus forte et bouleversante.

Baaria de Giuseppe Tornatore

Citation :

Surnommée Baaria par ses habitants, cette petite ville de la province de Palerme est le théâtre d’une saga familiale qui s’étend sur trois générations, des années 30 aux années 80, de Cicco à son fils Peppino, et à son petit-fils Pietro.

Par le réalisateur de Cinéma Paradiso, précise l'affiche de Baaria. Pauvre Giuseppe Tornatore, dont seul ce film, qui date de 1988, semble compter dans sa carrière alors qu'il en a tourné 6 dans l'intervalle dont certains plus qu'intéressants (Malèna, L'inconnue). Baaria est une fresque qui court sur plus de trente ans, le portrait de sa propre ville natale, Bagheria, située à un jet d'olives de Palerme. Un film très ambitieux qui, hélas, sur 2H30 de temps, ne fait que survoler les événements qu'a traversé ce petit coin de Sicile (la libération par les américains est expédiée en une minute chrono). Globalement passéiste, cette saga a quelques moments de grâce perdus dans un océan d'images et de bavardages oiseux. Si l'on pense à Amarcord de Fellini, ce n'est que pour regretter la superficialité de l'ensemble, ses ellipses inexplicables, son caractère hétéroclite et la plupart du temps confus. Trop court sur le plan politique et social, trop léger sur la psychologie de ses personnages (pourtant, celui de la mère, incarné par la splendide Margareth Madé est riche de promesses), trop pompeux dans les scènes de foule avec la musique de Morricone, Tornatore semble avoir sacrifié au montage de nombreux passages qui auraient donné un peu de chair au film. Nos meilleures années, de Giordana, durait bien six heures, lui, et tout y était limpide et passionnant !

Les mains libres de Brigitte Sy

Citation :

Barbara est réalisatrice et travaille dans le milieu carcéral depuis plusieurs années. Elle prépare un film écrit et interprété par des détenus de longue peine dans une maison centrale de la banlieue parisienne. Deux fois par semaine, Barbara se rend à la Centrale où elle réalise avec les détenus, des entretiens qui serviront de base à l’écriture de leur scénario. Mais Barbara rencontre Michel, un détenu du groupe. Leur histoire d’amour la conduit à transgresser la loi.

Les mains libres est le film français le plus singulier et le plus personnel de ce premier semestre. Brigitte Sy y raconte dans une histoire autobiographique pudique et troublante son amour pour un détenu et y décrit l'univers carcéral avec un ton difficile à décrire, fait de douceur et de rugosité. Le regard d'une amoureuse ? Celle d'une documentariste, aussi, passionnée par la psychologie de ces hommes derrière les barreaux. Elle qui dit ne pas aimer la fiction est pourtant douée pour filmer l'extérieur de la prison, la vie de tous les jours, les amitiés sans paroles, s'autorisant des scènes proches de la comédie. Le va et vient entre le dedans et le dehors donne au film son dynamisme, compensant une mise en scène parfois statique et répétitive au sein de la prison. Mais cette apparente langueur participe de l'étrangeté des Mains libres, notamment quand les taulards se prennent au jeu du cinéma, alors qu'ils "interprètent" leur propre rôle, dans une mise en abyme assez vertigineuse. Le film prend alors des allures d'oeuvre expérimentale, théâtralisée et épurée. Pour nous faire croire aux deux personnages de cet amour impossible, il fallait des interprètes remarquables. Ronit Elkabetz (comme d'habitude, serait-on tenté de dire) et Carlo Brandt sont exceptionnels de bout en bout.

traversay a écrit:

Baaria de Giuseppe Tornatore
[...]
cette saga a quelques moments de grâce perdus dans un océan d'images et de bavardages oiseux. Si l'on pense à Amarcord de Fellini, ce n'est que pour regretter la superficialité de l'ensemble, ses ellipses inexplicables, son caractère hétéroclite et la plupart du temps confus. Trop court sur le plan politique et social, trop léger sur la psychologie de ses personnages (pourtant, celui de la mère, incarné par la splendide Margareth Madé est riche de promesses), trop pompeux dans les scènes de foule avec la musique de Morricone, Tornatore semble avoir sacrifié au montage de nombreux passages qui auraient donné un peu de chair au film.

Pour demain j'hésitais entre L'illusioniste et celui-là, hé bien le choix est fait!

[quote="traversay"]


Baaria de Giuseppe Tornatore

S'il vient au Québec, j'irai le voir assurément. Semble très intéressant .

Dioses de Josué Mendez

Citation :

Diego et Andrea vivent en dehors du monde, loin de la réalité de leur pays, dans un univers où les repères sont tronqués. Dans la luxueuse villa familiale bordée par l'océan, les deux adolescents se retrouvent surtout déconnectés d'eux-mêmes. Leur père ramène sa nouvelle amie à la maison. Elle a vingt ans de moins que lui, vient des quartiers pauvres et va devoir apprendre les règles que son nouveau statut implique.

Derrière le brésilien et l'argentin, aux moyens bien plus considérables, le cinéma péruvien est sans nul doute le plus intéressant d'Amérique du sud. Francisco Lombardi, Claudia Llosa (Fausta) et Josué Mendez, dont on n'a pas oublié le cinglant Dias de Santiago, en sont les figures de proue. Avec Dioses, Mendez prend pour cible la minorité des très riches péruviens, isolés du monde dans leurs maisons de Lima ou dans leurs villas luxueuses de la côte, avec vue sur le Pacifique. Le film, par petites touches, avec des scènes qui reviennent en boucle et des cadrages ultra stylisés, théâtralise ce microcosme avec une violence sourde, dissimulée derrière la richesse écoeurante du décor et la beauté apparente de ce petit monde oisif et foncièrement vulgaire. Facile de s'en prendre aux nantis ? Certes, et le film a d'ailleurs des accents universels, tout autre pays pouvant remplacer le Pérou. L'intérêt de Dioses est dans sa mise en scène, à la limite du maniérisme, ses brefs moments d'outrance (inceste, drogues et avortement) dignes d'une telenovela et sa vision périphérique (les domestiques, les bidonvilles de Lima) qui donnent du relief et une perspective à un discours qui, sinon, serait banal et sans risques. Avec son atmosphère à mi-chemin entre Canines et Daniel & Ana, Dioses est un film dont le parfum capiteux a des relents de pourriture.

Rien de nouveau à l'horizon. Ce film très classique dans sa forme propose le parcours obligé et attendu (donc sans aucune surprise) de tout film honnête sur le milieu carcéral. La prison et les programmes de rééducation sont non seulement totalement inefficaces mais plutôt des espaces favorisant la concentration puis l'explosion des pulsions agressives ou perverses. On a donc droit à la séance de psychologie sur la gestion de l'agressivité qui dégénère en baston, aux brimades, à un viol, une mort accidentelle, un suicide, et à une escalade privant les jeunes protagonistes des quelques chances qu'il leur restait encore de s'en sortir. La séquence finale d'émeute est efficace avec un plan final qui fait froid dans le dos mais j'ai l'impression d'avoir vu ça plein de fois et parfois en bien mieux (voir le film d'Audiard pour le plus récent mais il y aurait des dizaines d'exemples). Il manque une originalité dans le scénario ou au moins un regard cinématographique plus personnel. ça se regarde malgré tout facilement sans temps mort et la violence bien que très présente n'est pas non plus insoutenable. Le petit plus à l'acteur principal qui joue Butch et qui est impressionnant.

Je viens de voir que Dogpound est une sorte de remake d'un film de 1979: Scum d'Alan Clarke qui a l'air effectivement très proche et très... années 70? Quelqu'un l'a vu?

Le caméléon de Jean-Paul Salomé

Citation :

Espagne, 2000 : un jeune homme sort de son mutisme. Il dit s’appeler Nicholas Mark Randall, être américain et avoir été enlevé quatre ans plus tôt par les membres d’une secte.
A la surprise de la police espagnole, qui le soupçonne d’être un imposteur récidiviste, sa sœur vient le chercher et le ramène aux États-Unis, en Louisiane, où sa famille semble le reconnaître.

Traitement médiocre d'un sujet en or. Que dire d'autre ? Le caméléon est l'histoire vraie de cet imposteur, manipulateur, usurpateur d'identités, qui va jusqu'à prendre la place d'un adolescent disparu, dans une famille américaine. Jean-Paul Salomé, le réalisateur, s'intéresse moins à la personnalité fascinante de ce serial schizophrène qu'à la misère sociale et affective d'une mère et de ses rejetons dans la Louisiane profonde. Un changement de focale qui désamorce l'intérêt, tant ce portrait est outré avec des performances d'acteurs qui ne le sont pas moins (pauvre Ellen Barkin, qu'on a tant aimée dans le passé). Marc-André Grondin, lui, est crédible, mais pas très gâté par le scénario qui tente de garder le mystère de son personnage tout en donnant quelques clés, quand même. La présence du FBI parachève la transformation de l'étude psychologique en (mauvaise) série télévisée américaine, le thriller qui en résulte n'ayant aucun intérêt. Le véritable caméléon vit aujourd'hui quelque part en France, marié, avec deux enfants. Heureux sans doute, de s'être sorti de ce drôle de trip qu'a été sa jeunesse. Comment ? Ca ferait un bon film, mais avec un metteur en scène de talent, cette fois, par pitié.

traversay a écrit:

Ca ferait un bon film, mais avec un metteur en scène de talent, cette fois, par pitié.

Jean-Paul Salomé est un réalisateur calamiteux qui fait mal jouer ses actrices (Les femmes de l'ombre, 2008), et que dire de son Belphégor (2001), ou de son Arsène Lupin (2004) ? A part que ce sont des catastrophes ?
Ton commentaire, Traversay, ne me surprend donc pas vraiment...

eXPie a écrit:

traversay a écrit:

Ca ferait un bon film, mais avec un metteur en scène de talent, cette fois, par pitié.

Jean-Paul Salomé est un réalisateur calamiteux qui fait mal jouer ses actrices (Les femmes de l'ombre, 2008), et que dire de son Belphégor (2001), ou de son Arsène Lupin (2004) ? A part que ce sont des catastrophes ?
Ton commentaire, Traversay, ne me surprend donc pas vraiment...

Vu le sujet et quelques critiques lues ici et là, j'avais quelque espoir, pourtant. C'est toujours plus intéressant que les films que tu cites, malgré tout.

traversay a écrit:

Avec son atmosphère à mi-chemin entre Canines et Daniel & Ana, Dioses est un film dont le parfum capiteux a des relents de pourriture.

Ton commentaire bien que réservé me donne très envie. Reste à ce qu'il soit programmé sur Lille... Pas gagné!

Où vas-tu Moshé ? de Hassan Benjelloun

Citation :

Au début des années 60, suite à l'indépendance du Maroc, des centaines de milliers de Juifs marocains, craignant l'incertitude politique et en quête d'une vie meilleure, décident de quitter leur terre natale pour immigrer en Israël et dans d'autres pays.

Ou vas-tu Moshé ? possède avant tout des vertus historiques. Comment des milliers de juifs quittèrent le Maroc, quelque temps après l'indépendance, de façon à "peupler" Israël. Pour illustrer cet exode, Hassan Benjelloun a imaginé une fiction qui décrit les conséquences de cet exode dans le petit village de Bejjad, dont le bar est menacé de fermeture , une fois que le dernier non-musulman aura déserté les lieux. C'est donc un peu Bejjad Café dans cette histoire plaisante à la Clochemerle, dont les maladresses de montage atténuent cependant quelque peu l'intérêt. Cette tragi-comédie a les bons ingrédients, mais pas le liant indispensable, ni un piment supplémentaire pour que le film mérite un autre qualificatif que sympathique.

A 5 heures de Paris de Leon Prudovsky

Citation :

A seulement 5 heures de vol de Paris, dans la banlieue de Tel-Aviv, deux solitaires se rencontrent. Lui est chauffeur de taxi. Elle est professeur de piano. Lui n’a jamais quitté Israël, elle est en transit entre deux pays.

Comédie sentimentale israélienne. Ces mots là, contrairement aux idées reçues, ne vont pas si mal ensemble. Rythmé par les chansons de Joe Dassin, Alain Barrière et Adamo (sic), A 5 heures de Paris est charmant et atteint joliment son but dans une première partie enlevée, originale, qui n'oublie pas les aspects sociaux. Avec l'arrivée du mari de la dame courtisée par le chauffeur de taxi divorcé, l'affaire se gâte quelque peu dans le schéma traditionnel du ménage, ou plutôt manège à trois. Le film devient plus convenu, prévisible, à la limite du sirupeux/poisseux. Leon Prudovsky nous fait une Clint Eastwood, façon Sur la route de Madison, mais le cinéaste israélien n'a pas vraiment l'envergure de son confrère américain. Charme et rythme n'ont heureusement pas tout à fait disparu, et puis Alain Barrière chante "Elle était si jolie" sur l'image de fin, d'un avion qui s'envole (re-sic). Nos coeurs de midinette ont apprécié.