Edvard Munch [peintre/graveur]

C'est vrai, maintenant que tu le dis, ça paraît logique, mais en fait je ne m'étais jamais posé la question avant...

Et dans le BAM, ils font des comparaisons peintures/prises de vue réelles très intéressantes :


Les jeunes filles sur le pont, 1927


Le port d’Asgardstrand

« Marcher à Asgardstrand, c’est comme marcher au milieu de mes toiles –j’ai un tel besoin de peindre quand je suis ici. » Une déclaration qui sonne comme une évidence à la vue de ce tableau, où l’appétit de couleurs, le rythme sont à l’image de ces jours tranquilles bercés par la lumière d’été, dans laquelle Munch puise inspiration et énergie. Depuis longtemps, l’artiste a fait un principe de la reprise d’un même motif, décliné dans ses œuvres, parfois selon diverses techniques : peinture, dessin, gravure. Un même décor sert de théâtre variable à des scènes, des portraits. Ainsi de cette vue de la jetée, qui n’a en rien changé depuis que le peintre a fait poser ces trois jeunes filles. D’autres toiles reprendront cette image, les personnages changeant au premier plan. »

Et une autre comparaison :


La bagarre, 1932


La maison d’Asgardstrand

« L’origine des toiles de Munch est toujours issue du réel. Les lieux qu’il peint existent et il les connaît. Il lui arrive même de revenir sur place pour retrouver le cadre et restituer l’espace, pour mieux se souvenir. En 1897, il fit l’acquisition d’une maison à Asgardstrand où il se rendait tous les étés. Il y plante le décor de La Bagarre qui évoque sa dispute avec le peintre Ludwig Karsten. Cet incident est restitué à travers plusieurs séquences, comme des photogrammes. En effet, grand amateur de films, toujours à l’affût des nouveautés techniques qui lui permettent d’explorer les possibilités de sa peinture, il utilise un autre stéréotype du cinéma de l’époque, les silhouettes blanches et noires, qui simplifie et accentue la dramaturgie. »
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Une autre comparaison :


Soir, rue Karl Johan, 1892


Vue de Karl Johans gate

« Ma décision est arrêtée, je serai peintre », écrit Munch dans son journal, à la date du 8 novembre 1880. Il est alors âgé de 17 ans. Inscrit l’année suivante à l’Ecole royale d’art de Christiana, il la quitte bientôt pour louer avec des camarades un atelier, situé sur Karl Johans gate. Il y connaîtra un soir, une forte impression : « Tous –tous ceux qui passaient avaient l’air si étranges et si bizarres et il avait l’impression qu’ils le regardaient avec insistance –qu’ils le fixaient- tous ces visages, pâles, dans la lumière du soir –il essayait de concentrer son regard sur une fenêtre très haut ». N’étaient quelques édifices modernes, la perspective de l’avenue a peu changé depuis cette vue. A gauche, les stores du Grand Café.
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(attention les yeux)


Le soleil, 1910-1913

« A la fois dans l’évolution de sa technique picturale et dans le traitement de se sujets de prédilection, l’œuvre de Munch touche aux limites de la dématérialisation. L’artiste agresse la matière picturale, dilue les colories jusqu’à une quasi-disparition de la peinture pour atteindre une transparence extrême. Le Soleil montre ainsi une irisation lumineuse, accentuée par une palette chromatique vibrante qui n’est pas sans rappeler l’influence sur l’artiste de motifs iconographiques comme la radiographie ou l’héliothérapie. Ces motifs trouvent toute leur immatérialité dans le détournement de la pratique photographique. Dans son Autoportrait dans un lit (1902) l’artiste se joue des rayons du soleil et amplifie le rapport entre luminosité et opacité, poussant les limites du rayonnement jusqu’à faire disparaître son propre reflet, laissant la luminosité traverser son corps. »
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Il y a également une très belle exposition au musée des beaux arts de Caen (jusqu'au 22 janvier). Elle m'a permis de découcrir un peintre que je connaissais peu.

Une étude des reprises et variations de Munch :


Puberté, 1894


Puberté, 1914

« L’œuvre d’Edvard Munch est secondée par la variation de mêmes thèmes. Les différentes toiles de La Puberté font partie de ces reprises qui permettent à l’artiste de se consacrer à l’évolution de ses sujets, de ses motifs et de sa technique. C’est ici l’angoisse existentielle de cette jeune fille face à la transformation de son corps que Munch transmet à travers quatre variantes. L’artiste explique : « Je n’ai jamais fait de copies de mes tableaux. Quand j’ai utilisé le même motif, c’est uniquement pour des raisons artistiques et pour approfondir le motif. » Cette réinterprétation du motif fut notamment utilisée pour les toiles faisant partie du cycle de La Frise de la vie. Ainsi, chaque nouvelle version témoigne de l’évolution de la technique, allant d grattage à la dissolution du pigment. »
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Bon, bon... Donc, parler de "copie" avec Munch, en fait, c'est un abus de langage... ?

colimasson a écrit:

Bon, bon... Donc, parler de "copie" avec Munch, en fait, c'est un abus de langage... ?

Si le résultat est différent, oui.
Mais je crois que souvent, les peintres ne font pas de copies exactes de leurs toiles : ils modifient des choses (des détails, ou bien des éléments plus importants, ou encore font des essais de techniques) , font des essais...

Deux autres variations :


Vampire dans la forêt, 1916


Vampire, 1893

Citation :

« Je construis un tableau à partir d’un autre. » Cette affirmation de Munch montre à quel point ses tableaux dépendent les uns des autres. Au-delà d’une reprise du motif, c’est sa constante élaboration, parfois même son autonomie que l’artiste tente d’atteindre. En effet, le couple enlacé du Vampire, fantasme d’une femme qui dominerait son amant, continue d’exister à travers divers schémas et compositions : d’un fond monochrome, sombre et angoissant, à un paysage maritime et boisé d’Asgardstrand, où il devient le Vampire dans la forêt pour l’exposition de 191 chez Blomquist. Se libérant de ses origines, le motif devient instrument de l’artiste et se voit transformé, adapté au bon vouloir d’une nouvelle scène, d’un décor mouvant, toujours au service du sujet pictural.

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Le tronc jaune, 1912

Citation :

La spatialité des œuvres de Munch tient essentiellement à la construction reposant sur des lignes de force structurées par des éléments paysagers ou encore par la stature des personnages. Au contact de la photographie et du cinéma, desquels Munch se montre être un fervent amateur, le peintre accentue les effets de profondeur et joue sur les différents plans qui composent le tableau.

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Combat contre la mort, 1915


L’artiste et son modèle, 1919

Citation :

La théâtralité a toujours été présente dans les œuvres de Munch : des compositions cloisonnées dans des intérieurs opprimants lorsque Munch se représente dans l’Artiste et son modèle, des personnages prisonniers de scènes dramatiques rappelant la mort de sa sœur survenue en 1877 dans le Combat contre la mort, des figures dont la frontalité est jetée au visage du spectateur. Mais ce rapport à la spatialité et au spectateur va être amplifié par ses rencontres avec les metteurs en scène August Strindberg et Max Reinhardt. Il réalise notamment pour ce dernier des décors de scène en 1906 et 1907. Tant dans les espaces scéniques que picturaux, ce sont des lieux intimes, clos, qui favorisent à la fois l’empathie du spectateur avec le sujet et son entrée dans le cadre de la toile.

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Travailleurs rentrant chez eux, 1913

Citation :

Si une majeure partie des œuvres de Munch transmet ses angoisses et sa solitude, une autre partie est tournée vers le monde extérieur. Les personnages s’inscrivent dans des paysages colorés, ouverts et rendent compte du quotidien des ouvriers, des paysans. Son œuvre semble prendre un tournant social comme le déclare l’artiste : « C’est maintenant le temps des ouvriers, je me demande si l’art ne va pas redevenir la possession de tout le monde ? Et regagner sa place dans les bâtiments publics sur de grandes surfaces murales. » S’inspirant de faits divers, d’évènements soudains comme pour La maison brûle ! Munch met au service de son art un nouveau langage, celui des images cinématographiques, renforçant ainsi le champ de profondeur et le mouvement de foule comme pour les Travailleurs rentrant chez eux.

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Des tableaux...


Femme en pleurs, 1907


Femmes en pleurs, 1907-2


...inspirés d'une photographie :


Rosa Meissner à l’hôtel Rohn, 1907

La dernière frise de la vie, 1927

Citation :

Munch utilisera dans certaines de ses toiles les effets de flou et de transparence qui apparaissent dans ses photographies.
[…]
Quelques-uns de ses clichés, jouant avec des effets de rayonnements, de superpositions et de transparences, cherchent à percer l’opacité du réel, à la manière dont les surréalistes s’y employaient.

BAM

La plage d’Asgardstrand, 1904

« La mer est comme un être vivant sans limites qui respire –dont l’immense poitrine se soulève et s’abaisse- Je sens son souffle. »
Edvard Munch

Autoportrait, 1886

« Un jour, lorsque je serai vieux et n’aurai rien d’autre de mieux à faire que d’écrire mon autobiographie, alors tous mes autoportraits ressortiront au grand jour. »
Edvard Munch