[2012] A l'affiche ou bientôt sur les écrans (vu ou à voir)

Amador de Fernando Leon de Aranoa

Citation :

Marcela est une jeune femme qui, pour subvenir aux besoins de son couple, accepte de s’occuper pour l’été d’un vieil homme atypique : Amador.

Le cinéaste espagnol Fernando León de Aranoa s'intéresse aux laissés pour compte, aux marginaux, aux invisibles de la société (Les lundis au soleil, Princesas). Chômeurs, prostituées ou immigrés, comme dans Amador. Pas sur un mode mélodramatique ou misérabiliste, davantage sur le ton de la mélancolie, de la tendresse et de l'humour. Un humaniste dont les films sont les portraits délicats de personnages sans importance aux yeux du monde, toujours dignes et dont la souffrance reste polie pour ne pas gêner les autres. Ainsi est Marcela, l'héroïne effacée d'Amador, jeune femme qui va cacher pendant plusieurs jours la mort du vieil homme dont elle s'occupait, autant pour des raisons financières que par compassion. Marcela est jouée par la divine actrice péruvienne de Fausta et Madeinusa, Magaly Solier, largement sous-employée ici. Sobriété, objets utilisés comme des métaphores (un puzzle, des fleurs, une lettre déchirée), Amador a un charme fané et morbide, qui s'accorde avec un rythme lent et des scènes redondantes. En filigrane, la réalité sociale d'une Espagne en crise et un humour macabre qui se substituent à un tempo bien trop léthargique. En sourdent pourtant une poésie étrange et un questionnement existentiel. "Dieu a créé les nuages pour se cacher quand il a honte" dit le vieillard. "Est-ce parce qu'il a honte de nous ou de Lui ?" se demande Marcela.

La désintégration de Philippe Faucon

Citation :

Ali, Nasser et Hamza, âgés d’une vingtaine d’années, font la connaissance de Djamel, dix ans de plus qu'eux.
Aux yeux d'Ali et ses amis, Djamel apparaît comme un aîné aux propos acérés et au charisme certain. Habile manipulateur, il endoctrine peu à peu les trois garçons, connaissant mieux que quiconque leurs déceptions, leurs failles et leurs révoltes face à une société dans laquelle ils sont nés, mais dont aucun des trois ne pense plus désormais faire partie.

Autant qu'un film sur les mécanismes de manipulation qui mènent au terrorisme, La désintégration peut être considéré comme une (tentative de) démonstration de l'échec d'une politique nationale "d'intégration." Philippe Faucon a choisi la concision et le minimalisme, en tentant d'éviter, autant que faire se peut, d'enfoncer des portes ouvertes et un discours moralisateur. Il y a comme une inéluctabilité dans La désintégration, qui peut aussi s'apparenter à une neutralité de ton, qui lui donne des allures de papier de fond pour un magazine, plus que d'une oeuvre cinématographique à part entière. Si le scénario rend crédible le lavage des cerveaux de ses personnages et leur abandon progressif de toute latitude de penser par eux-mêmes, le réalisateur délaisse peu à peu leur environnement, hormis quelques scènes familiales qui sonnent très juste. Le passage de la fiction à un quasi documentaire, sec et sans contrepoint émotionnel, aboutit à un final glacial et comme privé de substance. Le film devrait nous remuer et remettre en question nos certitudes sur le fonctionnement de notre société, il y parvient par instants, mais pas dans la continuité, de par son parti-pris courageux, mais intenable, de ne faire aucune concession.

Dans la pléthore de sorties, cette semaine, il ne faut pas oublier ce film russe, peu distribué, dont on m'a dit le plus grand bien. Pour ma part, je ne le verrai qu'autour du 14 mars avec l'organisation d'une semaine russe dans mon cinéma orléanais préféré (avec Elena, bien sûr, et quelques inédits).
Arabella, Tom Léo, Marko, Avadoro ..., et les autres, je pense qu'il est susceptible de vous plaire.

Citation :

Marina, la trentaine, est psychologue pour enfants. Mais elle se cherche encore, dans son travail comme dans son couple. A l’issue d’une journée d’errance, elle se fait agresser par des policiers. Elle n’a dès lors plus qu’une obsession, se venger. Ses armes ne seront pas celles que l’on croit…

traversay a écrit:

Dans la pléthore de sorties, cette semaine, il ne faut pas oublier ce film russe, peu distribué, dont on m'a dit le plus grand bien. Pour ma part, je ne le verrai qu'autour du 14 mars avec l'organisation d'une semaine russe dans mon cinéma orléanais préféré (avec Elena, bien sûr, et quelques inédits).
Arabella, Tom Léo, Marko, Avadoro ..., et les autres, je pense qu'il est susceptible de vous plaire.

Je l'avais repéré. J'irai le voir s'il passe ici.

P.S. Vérification faite il passe bien. J'irai voir aussi Bullhead.

C'est noté, je vais déjà voir s'il passe à côté de chez moi, je devrais avoir d'ici quelques jours le programme du mois suivant, j'attends déjà avec impatience Elena.

Mon avis sur Albert Nobbs est du côté du fil Mother and Child [Rodrigo Garcia], soit ici

Pour Chronicle, merci coli de ce commentaire lapidaire, j'avais prévu de laisser ce film de côté

traversay a écrit:

Pour Chronicle, merci coli de ce commentaire lapidaire, j'avais prévu de laisser ce film de côté

Hé hé, effectivement !
On sent que ça sort du coeur !

Devil Inside, William Brent Bell


Pitch : Une femme est retrouvée chez elle. Elle a tué trois religieux lors d'une séance d'exorcisme. Depuis elle est internée à Rome.
20 ans plus tard, sa fille veut comprendre : est-ce que sa mère est folle (peur de l'hérédité... ) ? Est-ce qu'elle est possédée ? Pourquoi est-elle expatriée à Rome ? Qui est-elle ?

Tout de suite, elle penche du côté de la possession et trouve deux personnes sur son chemin qui vont l'aider (enfin trois si on compte le caméraman. Parce que ce film est soi-disant un documentaire. Oui encore de la caméra au poing qui bouge dans tous les sens) : un prêtre et un exorciste.


Film ultra rapide (1h20). A peine le temps de se mettre dans l'ambiance que c'est terminé.
Absolument aucune originalité dans le propos, dans les images (la fille contorsionnée, qui grimpe au mur, la rigidité du corps, les différentes langues parlées, les insultes, la violence, les corps jetés par une force, les vieux souvenirs traumatisants qui remontent...), et dans le scénario.

Vers la fin, on sentait qu'il y avait un truc intéressant qui pouvait se passer, mais le film finit brutalement, et tout s'arrête là.

Ambiance stressante pour ceux qui seront ultra sensibles à cet univers, pour les autres ce sera du "trop peu" et pour tous ça finira trop vite.

Ingrid Jonker de Paula van der Oest

Citation :

Afrique du Sud, années 60. Alors qu’elle est sur le point de se noyer, Ingrid Jonker, fille du Ministre de la Censure, est sauvée par Jack Cope, un écrivain célèbre. C’est le coup de foudre. Fière et indépendante, Ingrid est également une poète inspirée. Mais son père, dont elle cherche à se faire aimer depuis son enfance, lui dénie tout talent et s’agace de son engagement contre le régime de l’Apartheid. Tombée enceinte de Jack Cope, Ingrid doit avorter et malgré la publication de son recueil de poèmes, sombre progressivement dans la dépression puis la folie...

En 1994, devant le parlement sud-africain, Nelson Mandela lut un poème dédié à un enfant noir tombé sous les balles d'un policier, au début des années 60. Cette ode, symbole des années d'apartheid, a été écrite par une jeune femme blanche, Ingrid Jonker (1933-1965), engagée politiquement, poétesse, femme libre dans un pays qui bafouait les droits de l'homme. Le film qui retrace sa courte vie et sa fin tragique est tronqué, souvent inexact et souffre de quelques ajustements gênants (on y parle anglais et non afrikaaans, le personnage d'André Brink, l'un de ses amants, porte un autre nom, etc.). Passionaria, Ingrid l'était autant dans son art que dans le combat politique et dans sa propre vie sentimentale, tumultueuse. Le film de Paula van der Oest élude beaucoup d'aspects de son existence, les gardant en simple toile de fond. Ce qui l'intéresse est la femme, dans toutes ses contradictions et ses excès. Ingrid Jonker buvait trop, aimait trop, vivait trop. Ses relations compliquées avec son père, président de la commission de censure du parlement et convaincu de la supériorité de la race blanche est la clé de son mal être, de ses dépressions à répétition, de son internement après une IVG, de son suicide. Le portrait que le film trace d'elle est lacunaire et manque de finesse. Dommage, d'autant que Carice van Houten joue le rôle avec tout le talent vibrant qu'on lui connait. On ne peut s'empêcher de rêver, malgré tout, de ce qu'une Jane Campion aurait su exprimer d'une telle histoire.




Fil Ingrid Jonker ICI

La mer à boire de Jacques Maillot

Citation :

Georges, un patron de chantier naval, est lâché par sa banque. Il devra se battre jusqu’au bout pour tenter de sauver l’entreprise qu’il a passé sa vie à construire.

Le cinéma d'évasion n'a que faire de réalisme mais quand il s'agit d'un film à tendances sociales, comme le prétend être La mer à boire, la crédibilité de son scénario est la première vertu à considérer. Or, c'est là où le bât blesse dans le film de Jacques Maillot. Le responsable de PME que joue Daniel Auteuil (qu'on a connu meilleur) doit faire face à la crise dans un secteur (la construction de bateaux de luxe) en plein marasme. Tout sonne à peu près juste au départ : les relations avec la banque, l'avidité de la concurrence, le poids des actionnaires, la volonté du patron de se battre contre vents et marées pour la pérennité de sa boîte et le maintien des emplois. Mais à mesure où la santé de l'entreprise se dégrade, le film part à vau l'eau itou, des figures archétypales remontent à la surface (le syndicaliste, le modeste sous-traitant pris à la gorge) et c'est la mer à déboires qu'il faut avaler, avec un effet d'accumulation pesant. D'autant que le récit abandonne sans état d'âme des personnages secondaires à leur triste sort. Mais le pire est à venir, avec, au creux de la tempête, un épisode sentimental hors sujet à Moscou. Incapable de donner une fin digne de ce nom à son film, Jacques Maillot le saborde entièrement dans une dernière scène au grotesque achevé. Touché, coulé !

et personne (parisien(ne)s par la force des choses) n'a tenté Noces ?

animal a écrit:

et personne (parisien(ne)s par la force des choses) n'a tenté Noces ?

Bande-annonce à voir ici.

Au pays du sang et du miel d'Angelina Jolie

Citation :

Alors que la guerre fait rage en Bosnie, Danijel et Ajla se retrouvent dans des camps opposés malgré ce qu’ils ont vécu. Danijel est un soldat serbe et Ajla une prisonnière bosniaque retenue dans le camp qu’il surveille.

Peut-être aurait-elle dû signer son film Anonymous, mais elle n'aurait alors pas eu les moyens de mener à bien son entreprise. Oui, Au pays du soleil et du miel a bel et bien été réalisé par Angelina Jolie, la star hollywoodienne, habituée des pages People des magazines. Et on est prié d'oublier vite ses a priori sur l'image de l'actrice pour se concentrer sur son film au sujet duquel il y a beaucoup à dire. Si Jolie a choisi le conflit bosniaque, c'est pour au moins deux raisons : 1. Dénoncer l'attitude de la communauté internationale qui a mis plus de trois ans avant de réagir 2. Evoquer le sort des femmes durant cet abominable affrontement avec un nombre incalculable de viols perpétrés à leur encontre. Sincérité et naïveté sont deux ingrédients qui se mêlent étroitement dans Au pays du sang et du miel et chacun jugera quel est le sentiment qui prédomine. Sur un plan purement historique, le film est évidemment sujet à controverse tant Jolie prend peu de gants pour étayer sa conviction : les serbes étaient en majorité des tortionnaires et les bosniaques des victimes. La vérité est évidemment plus complexe que cela, des atrocités ont été commises par les deux camps et les serbes ont sans doute en partie raison de crier à la manipulation, cependant ... Avec ces considérations, on en oublierait presque de parler du contenu du film qui n'est pas, jusqu'à preuve du contraire, un documentaire. D'un strict point de vue cinématographique et scénaristique, Au pays ... est plus qu'intéressant, loin des canons hollywoodiens du genre et pas seulement pas qu'il est interprété par des acteurs locaux et parlé entièrement en serbo-croate. L'histoire d'amour que la réalisatrice a enchâssé au milieu de la guerre est tout sauf une bluette. Elle a plus le goût du sang que du miel et préserve une ambigüité dans les sentiments mutuels que se vouent le bourreau et sa prisonnière. La complexité de cette relation, le traitement abrupt de la violence qui les entoure, la maîtrise des scènes d'action, l'excellence de l'interprétation des deux personnages principaux, la distance entretenue face à la tragédie, donnent au film une force viscérale qui outrepasse quelques maladresses de débutante. Après le choc de la scène finale, le débat peut s'ouvrir sur la vraie réalité de la guerre en Bosnie, si tant est qu'il soit possible d'arriver à un dialogue entre des communautés qui ne sont toujours pas prêtes pour la réconciliation.

Les infidèles


Je n'en attendais pas grand chose et j'ai été plutôt agréablement surpris. On passe par tous les registres de la comédie lourdingue la plus potache au psychodrame, de la beauferie Houellebecquienne pathétique (Dujardin parfait) à la loufoquerie la plus totale, du meilleur au pire. L'infidélité est déclinée sous toutes ses formes avec des moments qui font mouche. Et s'il ne fallait retenir qu'une séquence je choisirais celle réalisée par Emmanuelle Bercot avec une Alexandra Lamy absolument géniale de vérité. Ce jeu de la "question" où un couple uni depuis des années s'autorise à révéler des infidélités passées, réelles ou fictives, est filmé avec beaucoup d'intensité (Emmanuelle Bercot collabore avec Maïwenn et on retrouve la même force hyperréaliste). Les plans sur les visages, la chorégraphie des corps à travers les pièces de la maison sont formidablement réalisés. On peut voir le film rien que pour ce moment et les quelques scènes drôles du film. Dujardin et Lellouche sont souvent excellents. Sandrine Kiberlain en thérapeute du groupe des infidèles anonymes est pas mal aussi.