[2011] A l'affiche ou bientôt sur les écrans (vu ou à voir)

traversay a écrit:

The Hunter de Rafi Pitts

Citation :

Téhéran 2009, Ali, récemment libéré de prison, est veilleur de nuit dans une usine. Il vit à contretemps de sa femme et sa fille. Lorsqu’elles disparaissent dans les émeutes qui secouent la ville, Ali devient le chasseur.

Rafi Pitts, 43 ans, appartient à une nouvelle vague de cinéastes iraniens qui a peu à voir avec la génération plus ancienne, celle des Kiarostami et Makhmalbaf. Pitts a 4 longs-métrages à son actif, dont un seul, Sanam, a été distribué en France, sans marquer les esprits. The Hunter est d'une toute autre trempe. Un film âpre, épuré à l'extrême, chiche en dialogues -Pitts a privilégié la bande son-, et dont la dernière partie, la plus prenante, est à mi-chemin entre le thriller et le western. Dans un format minimaliste, s'entend. Qu'un scénario pareil, l'histoire d'un homme dont l'épouse et la fille sont mortes au cours d'une fusillade pendant une manifestation contre le régime et qui tue à son tour, ait pu passer le barrage de la censure est assez sidérant. Le film, lui, est interdit de diffusion en Iran, mais il circulera largement sous le manteau, pas de doute là-dessus. Le personnage principal, ce chasseur pourchassé, est interprété par le réalisateur lui même. Sa prestation, tout en froncements de sourcils, n'est pas très convaincante, au diapason d'une interprétation globalement maladroite. C'est le talon d'Achille d'un film très réussi visuellement et qui, avec une trame plutôt mince, installe une tension de plus en plus sourde, que les ellipses et l'absence d'explications renforcent encore. Si le pouvoir des mollahs n'est pas visé directement, on entend leurs discours à la télévision et à la radio, comme une sorte de fond d'ambiance, subtile évocation d'une dictature religieuse inique (pardon pour le pléonasme). Il faut se laisser happer par ce film lent et viscéral, il en vaut vraiment la peine.

Un film avec des images franchement belles, j'ai beaucoup aimé le début avec des intérieurs très construits, presque abominablement esthétiques s'ils n'avaient pas un côté intensément humain dans la continuité qu'ils expriment. Et un bel usage décalé de la télévision au passage, ce qui est relativement rare. La trame et les enchainements sont réduits c'est vrai et la part belle faite à une certaine irrésolution (voire non héroïsme radical) est intéressante (et tranche peut-être avec les références américaines). Pour un film avec des flingues, et des morts, on peut dire qu'il donne très concrètement l'idée du "il ne faut peut-être pas mettre ces trucs entre toutes les mains", quelque chose d'un rapport de force très dégénéré. Pas moches images de forêt non plus, verte et très humide (ce qui tranche agréablement avec des images toutes faites d'iran à manger du sable).

C'est vrai que le gugusse dans le genre monolithiquement mutique frôle le too much mais pourquoi pas, et il ne s'en sort pas si mal je trouve dans les scènes au commissariat. Une sorte d'expression de l'impasse mentale et morale qui semble être le propos pas très optimiste du film. En prime des morceaux de bande son réussis. J'ai pas mal apprécié, c'est moderne et intégré (au sens où le film intègre... un volume de convention cinématographique ?) sans perdre trop en personnalité, personnalité qui donne cette continuité qui est importante.

Et puis des poursuites avec des 405 c'est pas tous les jours au cinéma.


Autre très bon point, le film était précédé par un très très beau court métrage : L'évasion de Arnaud Demuynck. Court en dessin animé n&b très réussi avec un morceau de danse qui m'a franchement scotché. (et je ne suis pas un modèle de réceptivité). En plus ça sort du court un peu nunuche comme ça se fait souvent, vraiment un beau petit film à l'identité visuelle très forte et superbement efficace.

Amours salées et plaisirs sucrés de Joaquin Oristrell

Citation :

Depuis toujours, Sofia n'a qu'un rêve : devenir un chef 5 étoiles. Imprévisible, elle tombe amoureuse de deux hommes : Toni, le mari idéal, et Frank, celui qui croit en ses talents de cuisinière.

Une pincée de cul, une grosse louche de culinaire : la recette d'Amours salées et plaisirs sucrés a le mérite d'être appétissante. Encore faut-il posséder le tour de main pour la réussir, et le réalisateur espagnol Joaquin Oristrell, victime d'un scénario sans saveurs, se prend les pieds dans le plat. Ce Jules et Jim moderne n'est même pas olé, olé, c'est de la cuisine de grand-mère, agrémentée de quelques épices, susceptibles de relever la sauce. Pas audacieux pour un sou, le film confond vitesse et précipitation et est aussi crédible que Jean-Pierre Coffe vantant les produits frais d'un hard discounter. Tout n'est à jeter au tout à l'égout (et les couleurs) dans cette comédie décontractée et décomplexée, mais elle est mal dosée en poésie, fantaisie, drôlerie et originalité, ne rayez pas la mention inutile, en dépit des promesses de son sujet. Faute de repas gastronomique, il faut se contenter d'un (très) plat du jour, dont l'addiction n'est vraiment pas salée.

Queenie a écrit:

Vertiges, Bui Thac Chuyen.

Et une musique intéressante en milieu et fin de film, que j'aimerais bien retrouver : tout en chant saccadé, forte respiration, bidouilleries de sons, et rythmique soutenue.

Oui, on dirait du Björk vietnamien. Génial.

Vertiges en version française, Adrift à l'international (A la dérive) : aucun des deux titres ne témoigne réellement du climat sensuel et sensoriel qui baigne le film de Bui Thac Chuyen. Un film vietnamien sur nos écrans, c'est déjà un petit miracle, on ne va pas s'en plaindre. Vertiges a semble t-il eu du mal avec la censure dans son pays, parce que l'homosexualité féminine, même suggérée avec pudeur comme ici, ça passe encore difficilement. Vertiges est une sorte de variation des Liaisons dangereuses, la femme amoureuse jetant l'objet de son désir dans les rets d'un séducteur patenté. Le film dépasse cette intrigue, cependant, en proposant d'autres portraits de femmes, les hommes sont réduits à la portion congrue, eux, tout en captant l'énergie et le grouillement urbain (belles scènes de mousson). L'aspect documentaire de l'évolution de la société vietnamienne, bien qu'en arrière plan, ne manque pas d'intérêt. L'images est très belle, un peu à la Wong Kar Wai, avec des frôlements, des regards, et des débuts de caresse. De l'érotisme à l'extrême oriental, qui tombe un peu dans les clichés, sans que cela soit trop gênant. Un peu de raffinement face au cinéma de brutes qu'on nous propose ad nauseam, pourquoi faire la fine bouche ?

Winter vacation de Li Hongqi

Citation :

Le dernier jour des vacances d’hiver dans un petit village du nord de la Chine. Pour une quelconque raison, quatre adolescents désœuvrés se retrouvent chez leur copain Zhou Zhixin qui vit avec son père, son frère et son neveu.

Léopard d'or à Locarno, Winter vacation est le film chinois de festival par excellence. Presque une caricature, à vrai dire. Que des plans fixes qui durent des heures, des conversations anodines dont les dialogues sont étirés à l'envi, des silences de plomb quand personne n'a rien à dire, ce qui est souvent le cas. Li Hongqi s'en tient à un système de mise en scène, statique, on l'aura compris, qui ne bouge pas d'un iota, tout au long du film. Bizarrement, à doses homéopathiques, quelques répliques témoignent d'un humour corrosif qui peuvent provoquer un rire nerveux, vu l'atmosphère apathique qui règne en permanence. Un ennui de Chine qui ne câline pas vraiment et incite à plonger dans un lourd sommeil de spectateur fatigué.

traversay a écrit:

Jewish Connection de Kevin Asch

A la fin des années 90, un million de pilules d’ecstasy ont été acheminées d’Amsterdam à New York par des Juifs orthodoxes recrutés à leur insu. Sam Gold, 20 ans, est l’un d’entre eux. Refusant la voie stricte et balisée que sa famille lui a déjà tracée, il accepte sans hésiter quand son voisin Yosef lui propose de faire passer des « médicaments » contre rémunération.

Au vu de son premier long-métrage, Jewish Connection, il est un peu prématuré de prédire à Kevin Asch un bel avenir, mais ses débuts sont prometteurs. Il est vrai que le sujet est en or, ces jeunes juifs ultra orthodoxes qui deviennent passeurs de drogue entre Amsterdam et New York, fait divers réel qui plus est, il y a de quoi faire un film choc, confrontation de deux mondes strictement opposés. Avec un patronyme pareil, Asch était l'homme de la situation (désolé). Bon, Jewish Connection a pour lui un rythme nerveux, un éclairage crépusculaire et une manière offensive de nous faire pénétrer dans des univers archi codifiés, qui montrent que le réalisateur a du coffre. Il joue évidemment sur l'opposition de la "pureté" hassidique au monde vicié du deal, mais évite de trop plonger dans les clichés, en fonçant tête baissé sans trop se soucier de psychologie. Asch a tendance a vouloir passer en force, faute de moyens financiers il n'a guère d'autre choix, et la méthode a du bon, même si elle peut s'avérer frustrante à la longue. Et Jesse Eisenberg est presque aussi brillant que dans The Social Network, ce qui montre les qualités du bonhomme. Ecstasy et agonie, la recette de Jewish Connection n'est pas neuve, mais elle marche, plutôt pas mal. Il y a ce côté urgent des premiers Scorsese qui laissent deviner que Asch a du potentiel. A condition de trouver son propre style, quelque part entre James Gray et Sidney Lumet.

J'y suis allée par hasard, un dimanche matin. Et j'ai été agréablement surprise.
Surement pas inoubliable, mais bon moment de passé. J'aurais peut-être aimé que les relations au sein de la famille soient un peu plus développées.

Maryvonne, critique hors pair.

Je vais aller dare dare voir ce film

Jean-Pierre Bacri, il manquerait plus que je le loupe.

darkanny a écrit:

Je vais aller dare dare voir ce film

Jean-Pierre Bacri, il manquerait plus que je le loupe.

Alors là, merci pour l'info.
Je ne suis pas à fond de Bacri, mais la bande annonce donne envie, avec cette musique bien stressante, et une Sylvie Testud dans un rôle un peu différent de d'habitude on dirait !
J'irais le voir si je peux.

Sale temps pour les pêcheurs d'Alvaro Brechner

Citation :

Le "Prince" Orsini n'aurait-il pas du suivre son propre conseil plutôt que d'entraîner Jacob, son protégé, dans le défi de trop ? L'épicier, dit le "Turc", n'aurait-il pas du désobéir à Adriana, sa femme, plutôt que de monter sur le ring ? La mirifique prime de 1000 Dollars promise à celui qui résistera à Jacob, l'ancien champion du monde de lutte, excite les passions et échauffe les esprits. Après le départ de Jacob et Orsini, Santa Maria, calme bourgade perdue quelque part en Uruguay, ne sera plus jamais la même.

Le cliché, concernant l'Uruguay, est tenace : un petit pays, coincé entre deux géants, le Brésil et l'Argentine, qui tente tant bien que mal d'exister. Même chose du point de vue cinématographique : les films produits n'y sont pas légion, mais en général ils sont plus qu'intéressants, dans un registre doux/amer teinté d'un humour mélancolique (25 watts, Whisky, Les toilettes du pape, ...). Sale temps pour les pêcheurs est le premier long-métrage d'Alvaro Brechner, 35 ans, et cadre parfaitement avec cette idée préconçue et sans doute caricaturale de la production locale. L'histoire se passe dans un trou perdu d'Uruguay, avec l'arrivée en ville (!) du prétendu champion du monde de lutte libre qui risque fort d'éclipser l'événement annuel : la grande semaine de la pêche. Le film se focalise sur le personnage du manager/organisateur, minable individu qui promet sans cesse un argent qu'il n'a pas. C'est un peu l'Amalric de Tournée, en plus pathétique et escroc. Alvaro Brechner témoigne d'une tendresse touchante pour ce loser perpétuel et on est prêt à le suivre malgré une mise en scène un tantinet apathique qui colle bien, cependant, avec l'atmosphère provinciale alanguie. Dans un contexte social difficile, sur lequel le réalisateur n'insiste pas, Sale temps pour les pêcheurs est un film humble et digne, qui mérite d'être vu par les aficionados du cinéma latino-américain.

Le voleur de lumière d'Aktan Arym Kubat

Citation :

On l’appelle Monsieur Lumière. Dans ce village perdu au milieu des montagnes kirghizes, loin du pouvoir et de l’économie, il entretient les lignes, trafique parfois les compteurs pour venir en aide aux plus démunis.

Du cinéma du Kirghizstan, on ne connaissait guère qu'Aktan Abbdykalikov, réalisateur du Fils adoptif et du Singe, ce dernier datant déjà de 10 ans. Qui est donc cet Aktan Arym Kubat, dont Le voleur de lumière vient de sortir ? Renseignements pris, il s'agit du même metteur en scène qui a adopté le nom de son père biologique. Si le cinéma d'Asie centrale est parfois porteur de bonnes surprises (Chouga de Darezhan Omirbaev), ce film kirghize est hélas fort décevant. Après un démarrage prometteur, où la vie rurale est traitée avec tendresse et sens de l'humour, à travers le personnage de Monsieur Lumière, la chose se gâte rapidement, dès lors que la politique, les pratiques mafieuses et des hommes d'affaires chinois s'invitent dans le petit village sans histoire. Le film devient confus et le scénario s'éteint à petit feu. On attendait une Asie centrale électrique et elle manque de jus, au fil des minutes. Coupez !

Jimmy Rivière, de Teddy Lussi-Modeste


Premier film de Teddy Lussi-Modeste, Jimmy Rivière doit beaucoup à l'interprétation de Guillaume Gouix, très intense. Fiévreux et passionné, à la recherche d'un équilibre impossible, il est ballotté entre ses rêves, ses espoirs, et son vécu au sein d'une communauté de gens du voyage.
La mise en scène tente l'audace, voire l'excès, cherchant à transcender le quotidien par sa trame romanesque. Tout en conservant une rudesse, une vigueur proches de son sujet.
Lussi-Modeste se perd parfois en route, multipliant les enjeux (la religion, la famille, la boxe...) sans parvenir à leur trouver une place cohérente. Le film tient jusqu'au bout par une vitalité, et des intentions prometteuses même si elles ne peuvent complètement s'épanouir.

La ligne droite de Régis Wargnier

Citation :

Leïla, après cinq années de prison, retrouve la liberté. Elle va rencontrer Yannick, un jeune athlète qui vient de perdre la vue dans un accident. La seule discipline que celui-ci peut pratiquer avec son handicap, c’est la course. Mais avec un guide, auquel il est attaché, par un fil, le temps de l’entraînement.

Le réalisateur d'Indochine est un fondu d'athlétisme. Pas seulement pour la compétition, mais aussi et surtout, pour l'histoires intime des champions. Ses documentaires, consacrés à Hicham El Guerrouj, Heike Dreschler etc, sont d'ailleurs de petits bijoux. Avec La ligne droite, Régis Wargnier tente de filmer une fiction autour du sport roi de l'olympisme, mais le moins que l'on puisse dire est que le résultat est très décevant. Accusé principal : le scénario, plus chargé que Marion Jones à sa grande époque, qui agrège les malheurs de ses deux personnages principaux (athlète devenu aveugle, jeune femme sortant de prison), au risque du mélodrame. Comment se sortir d'un point de départ aussi ouvert aux clichés ? Eh bien, il ne s'en sort pas. D'autant que le sport passe vite au second plan, derrière la relation psychologiquement compliquée qui se noue entre le coureur invalide et sa guide. Les dialogues sont signifiants, l'interprétation pataude, hormis Rachida Brakni, dix foulées devant ses camarades. Les meilleures scènes sont celles des entraînements, filmés avec fluidité. Mais elles n'occupent qu'une partie infime de cette Ligne droite qui ressemble davantage à une course d'obstacles. Un honnête téléfilm diront les moins indulgents qui n'auront pas vraiment tort. Surtout avec ce dénouement d'un angélisme gênant.

Cette semaine je vais aller voir le film de Susanne Bier et le dernier film d'Oliveira. Je pensais être revenu du réalisateur portugais depuis longtemps mais Louis Guichard dans Télérama a su trouver les mots pour me donner une irrésistible envie de courir le voir:

Citation :

Le cinéma sans limites se fait rare. Pour ceux qui, ces derniers mois, ont aimé l'histoire de l'enfant qui aurait pu avoir mille et une vies et n'en aura aucune (Mystères de Lisbonne, de Raul Ruiz) ; pour ceux qui ont aimé le voyage féerique du mourant à travers ses existences passées et futures (Oncle Boonmee, d'Apichatpong Weerasethakul), voilà une invitation au mariage, en toute intimité, d'un jeune homme intranquille et d'un spectre radieux.

Revenge de Susanne Bier

Citation :

Anton, séparé de sa femme, est médecin humanitaire en Afrique. Son fils aîné, Elias, harcelé à l'école ses camarades, se lie d'amitié avec Christian, dont la mère vient de mourir

En voyant Revenge, on ne peut s'empêcher de penser que le cinéma de Susanne Bier, qui tourne souvent autour des mêmes thèmes, est indiscutablement fragile. Et que c'est la qualité de sa mise en scène qui a, jusqu'à maintenant, fait pencher la balance du bon côté. La première heure de Revenge est forte, prenante, avec son scénario à tiroirs qui fait cohabiter plusieurs intrigues parallèles, avec un savoir faire certain. La partie africaine est sans doute de trop, mais elle a le mérite d'éclairer sur la personnalité d'un des personnages principaux. L'amitié entre les deux jeunes garçons, dont l'un subit des humiliations quotidiennes à l'école, parce qu'il est suédois (sic), témoigne de la sensibilité aigüe de la réalisatrice danoise et de son sens de la direction d'acteurs. Le basculement vers la vengeance, qui emplit la seconde heure du film, est malheureusement d'une toute autre nature. Appuyé, démonstratif, il fait apparaître l'artificialité de ces histoires qui s'empilent les unes sur les autres et détruit le bel édifice, qui tanguait déjà sans que l'on se rende compte. Les dernières scènes, celles du pardon, accentuent le sentiment de malaise, avec cet angélisme qui sonne faux et qui contredit une grande partie du propos antérieur. Ce happy end doucereux gomme tous les aspects dérangeants du film, hélas. Un avis qui ne doit pas être partagé par tout le monde, pas par les professionnels du cinéma américain, en tous cas, qui ont décerné à Revenge l'Oscar du meilleur film étranger (soupir de résignation).

traversay a écrit:

En voyant Revenge, on ne peut s'empêcher de penser que le cinéma de Susanne Bier, qui tourne souvent autour des mêmes thèmes, est indiscutablement fragile. Et que c'est la qualité de sa mise en scène qui a, jusqu'à maintenant, fait pencher la balance du bon côté.

Je suis plutôt d'accord avec toi sur Revenge. La mise en scène est très efficace. Elle a une façon de capter les émotions sur les visages qui crée immédiatement une tension. Les acteurs sont bien dirigés (le gamin principal est parfait) même si la mère du copain martyre est dans un sur-jeu hystérique un peu pénible (elle était bien meilleure dans "En Eaux troubles" d'Erik Poppe). Par contre le récit, bien que prenant, reste très fabriqué avec de grosses coutures. C'est l'écueil du film à thèse (façon Collision ou Babel qui fonctionnent mieux) où chaque séquence est amenée sans soucis de crédibilité pour alimenter la démonstration (ici le thème de la vengeance et le débat de conscience qui en résulte) . Evidemment le chirurgien va être amené à soigner le monstre qui éventre les jeunes filles parmi d'autres coïncidences trop artificielles. De la même façon le dérapage de l'adolescent ne fonctionne pas vraiment psychologiquement ( à grand renfort de trauma lié à la mort de sa mère). Bref tout ça manque de subtilité mais j'avoue avoir quand même passé un bon moment sans ennui et avec un certain plaisir devant cette mécanique mélodramatique qui tient son fil sans le lâcher. Le happy end est dans la logique de la démonstration morale du film qui reste assez superficielle. Il est à voir quand même...



P.S.: j'oubliais de préciser qu'il y a parfois une tentation esthétisante agaçante avec ralentis et couchers de soleil sur les baraques africaines, vols d'oiseaux dans la brume matinale... Pas forcément nécessaire. La musique aussi est trop illustrative même si elle est agréable à écouter.

The silent house, Gustavo Hernandez

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Affiche américaine et affiche française


Une maison au milieu des herbes folles. Un homme et une jeune femme s'en approchent, à pied. Lentement. Tranquillement (?). Aucun bruit alentour, on ne sait pas bien si c'est le jour qui se lève ou la nuit qui tombe (notion de temps qui, d'ailleurs, sera toujours aussi flou tout le long du film). On comprend qu'ils sont là pour redonner un peu de clarté au "jardin" autour de la maison, qu'ils font ça pour un ami (?) qui désire vendre ladite maison, et vient leur faire une rapide visite guidée de la maison où ils pourront squatter le temps du jardinage.
Avec... évidemment la précision : ne montez pas à l'étage, c'est dans un état lamentable... et dangereux. (Évidemment les bruits viendront d'en haut!)
Avec... évidemment le truc pas rassurant du tout : pas d'électricité et toutes les fenêtres condamnées par des planches de bois (difficile de croire qu'il va vendre cette maison ainsi... mais bon... soit).

Particularité du film : tout est filmé en un seul plan, avec un appareil photo (Canon EOS 5D Mark II : le même utilisé pour Rubber). Lumière naturelle et prise de son en direct.

L'ambiance du film est vraiment extra. Une image métallique, froide, et si ce n'est le côté dv-qui-bouge-dans-tous-les-sens un peu parasite, les différents focus de la bestiole donnent une sorte de mouvement dans l'image, quelque chose de toujours flottant, qui est à la fois très doux, onirique, et en même temps froid, mystérieux.
On est vraiment avec le personnage principal, on voit ce qu'elle voit, entend ce qu'elle entend, cette proximité crée une empathie qui se met en place très rapidement, et m'a tenue accrochée à mon fauteuil pendant les trois premiers quarts d'heure.



Après...
Ça devient un peu chiant.
Trop déjà vu.
Trop prévisible.
Trop répétitif (dans les plans, la lumière, la texture : forcément hein ; mais aussi dans les "actions" : je monte, je descend, j'ouvre une porte qui grince, je glisse une lampe pour voir quelque chose, mais je ne vois rien, j'avance, j'entends un bruit, j'ai peur, je me cache, puis je descend, je monte, j'ouvre une porte qui grince, je glisse une lampe... etc...).
Twist final limite trop survolé, et en même temps, trop "attendu".
La séquence d'épilogue ne sert à rien (ajouté après son passage au festival de Cannes... Why ?)



Après, je trouve toujours épatant les films avec de longs plans séquences où on sort une chorégraphie au millimètre, je trouve qu'on est vraiment accroché à l'action du coup, à avoir l'impression que n'importe quoi peut surgir de n'importe où.

A voir. Mais pas incontournable.

(Et les américains en ont déjà fait un remake... avec une des sœurs Olsen... qui était au festival de Sundance)


- Il a dit de ne pas monter... oui mais y'a des bruits là-haut !

- Oooh... j'aurais pas du monter !